искусство создания садов, парков и других озеленяемых участков. Специфика С.-п. и. заключается в использовании для организации пространства живого растительного материала, непрерывно меняющего свой облик, в объединении элементов природы и художественного творчества в единое целое. Практика зелёного строительства включает: создание садов и парков, подбор растений для различных климатических и почвенных условий, размещение и группировку растений в сочетании с архитектурными сооружениями, водоёмами, дорогами, площадками, скульптурой, посадку растений и уход за ними и т. д. С.-п. и. выработало многообразные композиционные приёмы, которые условно можно свести к двум основным принципам: регулярному и пейзажному. Для первого характерна геометрическая композиция, для второго - живописное размещение композиционных элементов, имитирующее естественный ландшафт.

С.-п. и. возникло в эпоху рабовладельческого строя, когда особое значение придавалось паркам при культовых сооружениях, дворцах, усадьбах знати и т. д. Планировка садов Древнего Египта (наиболее хорошо изучено С.-п. и. Новой династии) отличалась строгой регулярностью: центром композиции служило главное здание, а прямая аллея, соединявшая его со входом на участок, являлась основной композиционной осью, делившей территорию сада на две равные части, в каждой из которых размещались прямоугольные водоёмы. В государствах Древней Месопотамии существовали большие охотничьи заповедники, а также сады, разбитые на террасах, соединённых лестницами (так называемые висячие сады Семирамиды в Вавилоне, 7 в. до н. э.). В Древней Греции симметрично посаженные деревья нередко окружали храмы (например, Гефестейон - в Афинах, 2-я половина 5 в. до н. э.), а иногда и центры городской жизни (например, афинскую агору (См. Агора)). Уже в 5 в. до н. э. были распространены регулярные сады-герооны, украшенные колоннадами и скульптурой и предназначенные для спортивных состязаний в память погибших героев. С 4-3 вв. до н. э. при жилых домах разбивались небольшие садики, единственным декоративным акцентом в которых являлось дерево, фонтан или отдельная скульптура. Общественные регулярные парки были важным элементом многих древнеримских градостроительных структур. Древнеримские сады, обычно окруженные колоннадами, выделялись детальной взаимозависимостью природных и архитектурных форм; большую роль в древнеримском С.-п. и. играли искусственные водоёмы, фонтаны, а также подстриженные деревья и кустарники; кроме скульптур и фонтанов, излюбленными малыми формами были лёгкие трельяжные изгороди, беседки и перголы (См. Пергола), покрытые вьющимися растениями. Особенно типичными для древнеримского С.-п. и. были садики перистилей (См. Перистиль) (хорошо известные по раскопкам Помпей и Геркуланума), возникновение которых было тесно связано с растущей урбанизацией античного общества, обусловившей возросшую тягу к природной среде.

Исключительной изысканностью отличались средневековые сады арабских стран, Ирана, Средней Азии, обычно замкнутые со всех сторон высокими стенами. Геометричность их построения подчёркивалась сетью узких каналов, разделявших территорию на участки, в оформлении которых значительное место отводилось прямоугольным или квадратным газонам и тонким цветовым контрастам различных по фактуре и цвету растений (например, тёмного кипариса и ярко цветущего миндаля). На завоёванном арабами Иберийском полуострове в 8-12 вв. сложился тип испано-мавританского сада, расположенного в небольшом дворике; ведущими декоративными мотивами здесь были небольшие бассейны и каналы, выложенные цветными изразцами, а также стриженые живые изгороди из вечнозелёных кустарников. С.-п. и. мусульманских стран оказало значительное влияние на планировку и оформление садов средневековой Индии. В садах и парках средневековых стран Дальнего Востока господствовали принципы свободной (или пейзажной) композиции. Лежавшая в основе этих принципов идея вечной обновляемости природы в японских садах подчёркивалась не только прихотливыми очертаниями водоёмов и дорожек, но и самим характером малых архитектурных форм, облик которых навевал ощущение неразрывной слитности их с естественной средой.

Сады европейского средневековья носили преимущественно утилитарный характер: в них выращивали овощи, целебные растения, плодовые деревья и ягодные кустарники, однако существовали и отдельные декоративные вкрапления в виде газонов с цветочными грядками. Новый подъём С.-п. и. в европейских странах начинается в эпоху Возрождения. Итальянские архитекторы 16 в. (Виньола, П. Лигорио и др.) разработали приёмы разбивки регулярного сада, используя рельеф местности и как бы развивая композиционные соотношения, заложенные в архитектуре главного здания. Эти сады представляли собой систему сменявших друг друга эффектных видов (или перспектив) и располагались на террасах с подпорными стенками, монументальными лестницами, обильным скульптурным убранством и каскадами. Ренессансные приёмы С.-п. и. получили дальнейшее развитие в садовой архитектуре итальянских вилл Барокко. Рационалистические принципы, господствовавшие в искусстве абсолютистской Франции 17 в., воплотились в строго геометрической планировке регулярных ("французских") парков, созданных А. Ленотром (парк в Версале (См. Версаль) и др.). Такие сады и парки разбивались преимущественно на плоской местности или пологом склоне. Главное место в ансамбле занимал дворец; перед ним располагались Партеры, водоёмы и каналы с неподвижной гладью воды (водяные зеркала); чёткие пространственные акценты вносили многочисленные скульптуры, в совокупности представлявшие собой проникнутую единым замыслом образную систему. В основе ряда парков "французского" типа лежала так называемая трехлучевая система аллей, радиально расходившихся от дворца или замка и открывавших обширные видовые перспективы. Идеи А. Ленотра оказали основополагающее воздействие на развитие европейского С.-п. и. 17 - 1-й половины 18 вв.

В середине 18 в. в Европе возникли свободно распланированные пейзажные парки, в развитии которых важную роль сыграли философские идеи Просвещения (См. Просвещение), а также изучение искусства Китая. Первоначально такие парки были созданы в Великобритании (архитекторы Ч. Бриджмен, У. Кент, Л. Браун, У. Чеймберс), затем во Франции (архитектор Р. Л. Жирарден) и других странах Европы. В основе композиции пейзажных, или "английских", парков лежал принцип творческой переработки мотивов естественной природы; партеры здесь сменяются лужайками, геометрические по форме бассейны и каналы - озёрами и речками, строго ритмизованные по композиции посадки - отдельно стоящими или свободно сгруппированными деревьями, прямые аллеи и дорожки - прихотливо вьющимися тропинками. Важное значение обрело последовательно проведённое в общей композиции и размещении отдельных растений представление о своеобразии художественных эффектов, связанных со сменой времён года. Менялся и характер садовой архитектуры: пейзажные парки изобиловали "романтичными" руинами, а также постройками, имитировавшими сельское жилище.

Первые сведения о русских садах относятся к 12 в. (княжеские усадьбы в Киеве и Владимире). В 17 в. в Москве существовали так называемые верховые (или красные) сады, располагавшиеся в верхних этажах зданий и отличавшиеся богатым декоративным убранством (сады Кремлёвского дворца), а также регулярные сады в загородных усадьбах, для которых была характерна тесная связь с окружающей природой, сочетание декоративных качеств с утилитарными (рыбные пруды, плодовые сады, покосные луга). Традиции европейского С.-п. и. 17 в. творчески развиваются в петербургских дворцово-парковых ансамблях, построенных в начале 18 в. (архитекторы Ж. Б. Леблон, Н. Микетти, М. Г. Земцов и др.); этим паркам свойственны строгая симметричность композиции с умелым использованием водных поверхностей и рельефа местности. Более динамичны по пространственным решениям парки середины 18 в. (архитекторы В. В. Растрелли и др.): Анненгофский парк в Москве, парки в Царском Селе (ныне г. Пушкин) под Петербургом, в Кускове (См. Кусково) и Архангельском (См. Архангельское) под Москвой. С конца 18 в. получили распространение принципы пейзажной планировки (садовод И. Буш, теоретик садоводства А. Т. Болотов, архитекторы В. И. Неелов, Ч. Камерон, П. Гонзаго и др.), лучшими образцами которой явились парк в Павловске, пейзажная часть Екатерининского парка в Царском Селе, под Москвой - парк в Кузьминках (См. Кузьминки).

С середины 19 в. в европейских странах и США создавались многочисленные общественные (преимущественно пригородные) парки. Первоначально в них господствовали приёмы свободной, "английской" планировки, но к концу 19 в. мастера С.-п. и. (например, Ф. Л. Олмстед и И. Иенсен в США) всё чаще сочетают элементы регулярного и ландшафтного построения. Однако в целом С.-п. и. конца 19 - начала 20 вв. переживает упадок, что сказывается в измельчении планировочных структур, вычурности цветочного оформления и малых форм архитектуры. Увлечение микрокомпозициями свойственно многим произведениям С.-п. и. 20 в., чему способствуют достижения в области селекции растений и дендрологии, позволяющие создавать построения типа японского сада, испано-мавританского Патио, альпийской горки и т. д. независимо от конкретных природных условий. Стилистический эклектизм, свойственный садам такого рода, преодолевается в творчестве мастеров, стремящихся использовать в С.-п. и. некоторые приёмы современного изобразительного искусства (бразилец Р. Бурле Маркс и др.).

С. Н. Палентреер.

В 20 в. появляются многочисленные новые объекты С.-п. и. (спортивные и развлекательные парки, луна-парки, парки-выставки, "линейные" парки вдоль автодорог, национальные природные и исторические парки, сады на крышах, большие крытые сады с искусственным микроклиматом). Особенно актуальными становятся, в частности, проблемы создания больших городских парков для массового отдыха (Центральный парк в Нью-Йорке, так называемый амстердамский лес в Нидерландах и др.), сохранения или воссоздания естественных ландшафтов (успешно решенные, например, в застройке финских городов Лахти и Тапиола), восстановления отработанных территорий (осуществленного, например, при разбивке парка Олимпийского комплекса в Мюнхене), обогащения пластических возможностей естественной пейзажной среды за счёт возведения шумозащитных сооружений и пр.

В СССР и других странах социализма главной линией развития С.-п. и. является общественное парковое строительство. Особенно характерны для СССР типы парка культуры и отдыха (См. Парки культуры и отдыха) (первым парком такого типа был Центральный парк культуры и отдыха им. М. Горького в Москве, 1935-41, архитектор А. В. Власов), которые стали важной частью системы озеленения советских городов и других населённых пунктов. Такого рода парки, рассчитанные на разнообразные виды активного и тихого отдыха различных демографических групп населения, все чаще возникают и в других социалистических странах [например, парк в Катовицах (ПНР)]. Эти требования породили новые композиционные приёмы, основанные на функциональном зонировании территории, выявлении пространственной специфики таких объектов, как Зелёный театр в ЦПКиО им. М. Горького в Москве, стадион в Приморском парке Победы в Ленинграде, Певческое поле и эстрада в парке Кадриорг в Таллине, а также менее крупных сооружений типа городков аттракционов, читален, лекториев. Советское С.-п. и. развивается и в процессе специализации парков и садов различного функционального назначения - детских, спортивных, выставочных, ботанических, зоологических, парков при мемориальных сооружениях (См. Мемориальные сооружения) и т. д. Например, торжественность, суровая монументальность отличают мемориальные парки Победы в Ленинграде, "сказочная" тематика, уменьшенные, "детские" масштабы определяют парк "Солнышко" в детском доме отдыха под Ленинградом и т. д. В парках, создаваемых на базе существующих лесных массивов (например, Голосеевский лес в Киеве, Вингис в Вильнюсе, Измайловский зелёный массив в Москве), мастера С.-п. и. стремятся раскрыть эстетические возможности лесной среды и включить в неё необходимые элементы благоустройства так, чтобы не разрушить сложившиеся экологические закономерности и придать ей максимальную художественную выразительность. В городах, расположенных в степной или полупустынной зоне, сады и парки, создаваемые нередко в неблагоприятных природно-климатических условиях, способствуют улучшению окружающей среды (такую роль сыграли, в частности, парк им. 20-летия ВЛКСМ в Караганде, городские парки в Душанбе и Ташкенте, где создана сеть крупных водных бассейнов). Нередко парки занимают территории с крутыми уклонами, узкие горные долины и каньоны, что придаёт им большую живописность (Нагорный парк им. С. М. Кирова в Баку, парк на горе Мтацминда в Тбилиси и др.). Для большинства этих парков типичны сложные системы террас, лестниц и подпорных стен. В 60-70-х гг. в связи с размахом гидротехнического строительства и осушительных работ многие новые парки располагаются в ранее затапливавшихся паводками речных долинах, на островах, побережьях естественных и искусственных морей, а также водохранилищ ("Острова Юности" на Ангаре в Иркутске, Днепровский гидропарк в Киеве, Южно-приморский парк им. В. И. Ленина в Ленинграде). Ряд примечательных образцов советского С.-п. и. связан и с восстановлением ландшафта на рекультивируемых землях. Это парки, созданные на отработанных карьерах кирпичных заводов (Московский парк Победы в Ленинграде) или на карьерах, связанных с добычей полезных ископаемых (например, Александровский парк в Орджоникидзе, УССР, парк культуры и отдыха в Кохтла-Ярве). Преобладающими в советском С.-п. и. 60-70-х гг. являются свободные пейзажные построения, основанные на художественной интерпретации естественных ландшафтов и включающие отдельные регулярно распланированные части. Среди крупнейших советских паркостроителей - В. И. Долганов, Л. И. Ильин, А. Я. Карр, М. П. Коржев, А. С. Никольский, М. И. Прохорова, Л. И. Рубцов.

А. П. Вергунов.

Лит.: Курбатов В. Я., Сады и парки, П., 1916; Дубяго Т. Б., Русские регулярные сады и парки, Л., 1963; Ландшафтная архитектура. [Сб.], М., 1963; Залеская Л. С., Курс ландшафтной архитектуры, М., 1964; Саймондс Дж. О., Ландшафт и архитектура, [пер. с англ.], М., 1965; Jellicoe G. A., Studies in Landscape design, v. 1-3, L., 1960-70; Colvin В., Land and landscape, 2 ed., L., 1970.

Русские и советские сады и парки. Цветник в парке Московского Кремля.

Русские и советские сады и парки. З. К. Церетели. Декоративная мозаичная композиция в парке курорта Пицунда (Абхазская АССР). 1960-е гг.

Русские и советские сады и парки. А. В. Власов и др. Центральный парк культуры и отдыха им. Горького в Москве. 1935-41. Фрагмент набережной.

Русские и советские сады и парки. В. И. Неелов. "Английский сад" парка в Пушкине близ Ленинграда. 1771-80. Горка из "дикого камня".

Русские и советские сады и парки. А. Ф. Миронов. Партер парка в Кусково (Москва). Сер. 18 в.

Русские и советские сады и парки. Ж. Б. Леблон, М. Г. Земцов, И. Матвеев. Аллея Летнего сада в Ленинграде. 1704.

Русские и советские сады и парки. Тромбаро. Террасы парка в Архангельском под Москвой. 1780-е гг.

Русские и советские сады и парки. Ж. Б. Леблон. Центральная часть Нижнего парка в Петродворце близ Ленинграда. 1714-25.

Зарубежные сады и парки. Г. Геврекян (Франция). Сад виллы Ноай. 1926.

Зарубежные сады и парки. Р. Бурле Маркс (Бразилия). Сад виллы Р. Ди Кампуса. 1950-е гг.

Зарубежные сады и парки. Дж. Нэш (Великобритания). Риджентс-парк в Лондоне. 1821-30.

Зарубежные сады и парки. Сады Горакуэн в Канадзаве (Япония). 18 в.

Зарубежные сады и парки. А. Ленотр (Франция). "Полуденные партеры" парка в Версале. 1660-е гг.

Зарубежные сады и парки. Парк при храме Джайна в Калькутте (Индия). 2-я пол. 19 в.

Зарубежные сады и парки. Парк виллы Ланте близ Витербо (Италия). 2-я пол. 16 в.

Зарубежные сады и парки. Сады Хенералифе в Гренаде (Испания). 13-14 вв.

Зарубежные сады и парки. Нимфей дома Марка Лукреция в Помпеях (Древний Рим). 1 в.

История русского искусства отражает бурную историю страны и ее географическое положение между Востоком и Западом. Постоянно возникают дискуссии по поводу его сущности: является ли оно своеобразным воплощением западноевропейских традиций или представляет собой совершенно оригинальный феномен. Несмотря на частые политические изменения и периодически возникающие сомнения в национальной самобытности, русское художественное творчество имеет ряд отличительных черт, таких, как яркий колорит, асимметрия форм и склонность то к реализму, то к абстракции.

В период Средневековья, когда центром политической жизни Древней Руси был Киев, образцом для подражания в искусстве и источником многих художественных влияний была Византия. Татаро-монгольское нашествие в середине 13 в. и последовавший за ним период татаро-монгольского ига отрезали Русь от Запада почти на 200 лет. Завоевание независимости в 15 в. под предводительством московских князей не положило конец культурной изоляции Руси; она не испытала влияния культуры Возрождения и светского гуманизма. Только во время правления Петра I (1682-1725) и благодаря проводимой им политике на сближение с Западом Россия вернулась в лоно европейской культуры - сначала в качестве ученика, затем равноправного участника общекультурного процесса, а накануне Первой мировой войны - активного новатора в искусстве. В начале 1930-х годов Россия вновь была отрезана от Запада, когда Сталин установил режим изоляции, для того чтобы построить "социализм в одной отдельно взятой стране". Распад СССР и крушение коммунизма как системы в 1991 дали русским художникам стимул произвести переоценку ценностей и найти свое место в новой политической, экономической и культурной ситуации.

Древнерусское искусство. В 988 Киевская Русь приняла христианство в его восточном византийском варианте. Вместе с религией Русь унаследовала от Византии и художественные традиции, одной из которых было украшение храмов росписями и иконами. Слово "икона" происходит от греческого eikon (образ). Икона является посредником между реальным миром и божественным первообразом. Стиль живописи менялся в ходе веков, но художественные традиции иконописи сохранились до настоящего времени. Использование приемов стилизации и яркий, нарядный колорит, характерные для средневековой религиозной живописи, оказали влияние на творчество многих художников конца 19 - начала 20 в.

В церквах иконы помещали на стенах, столбах и алтарной преграде. В 14-15 вв. низкая алтарная преграда превратилась в высокий иконостас, отделявший прихожан от алтаря. Иконостас стал строго организованной иерархической системой священных образов, в которой иконы с изображением Христа, Богоматери, апостолов, святых и праздников располагались рядами в определенном порядке. Иконы часто украшали окладами из серебра, золота и драгоценных камней, которые могли закрывать икону почти целиком, оставляя видимыми только лики. Вначале мастеров-иконописцев приглашали из-за границы (чаще всего из Греции), а иногда привозили и сами иконы. Икона Владимирской Богоматери, привезенная из Византии в первой половине 12 в., стала образцом для огромного числа русских списков. Сохранилось очень мало домонгольских русских икон; все они в большей или меньшей степени следуют иконографии и стилю византийских образцов. Мозаики в киевском соборе Святой Софии (заложен в 1037) тоже были выполнены византийскими мастерами. В больших храмах других городов, находившихся к северу от Киева, мозаик не делали. Так, Софийский собор в Новгороде (1045-1050) был украшен гораздо менее дорогостоящими фресками.

В 1240 монгольское нашествие опустошило Киев и другие русские города и сделало практически невозможными контакты с Византией. Почти полное отсутствие внешних культурных влияний способствовало развитию региональных школ живописи, среди которых особенно выделяются московская, новгородская и псковская.

С конца 14 в. Московское княжество получило политическое преобладание над другими русскими землями, объединило их под своим главенством, а Москва стала культурным центром единого русского государства. Здесь работали три великих мастера древнерусской живописи: Феофан Грек (ок. 1340 - после 1405), Андрей Рублев (1360/1370 - ум. 1427/1430) и Дионисий (ок. 1440 - после 1502/1503), чьи иконы и фрески стали воплощением на русской почве идей духовного восхождения и единения с Богом через отказ от всего внешнего и суетного и обретение внутренней гармонии.

В 1551 Стоглавый Собор установил строгие каноны, которым должны были следовать иконописцы при создании священных образов. В 17 в. в иконопись проникают влияния западноевропейской живописи, что нашло отражение в иконах, выполненных Симоном Ушаковым (1626-1686), и сложных миниатюрных, подобных ювелирным изделиям, произведениях иконописцев Строгановской школы. В это же время стали появляться первые портреты, получившие название парсуны (от слова "персона").

Проникновение западных влияний. После воцарения Петра I в 1682 религиозная живопись не потеряла своего значения для духовной жизни, однако благодаря новой культурной политике государства в искусстве получили преобладание светские сюжеты и художественные методы, пришедшие с Запада. Снова учителя и мастера стали приезжать в Россию из-за границы, но на сей раз из Западной Европы (сначала в основном из Германии и Голландии). Перед Петром I стояла также совсем непростая задача изменения вкусов публики, приобщения к культурному наследию Европы. Некоторые его поступки, целью которых было, несомненно, просвещение народа, могли показаться современникам шокирующими, если не совершенно дикими. В стране, не знавшей античной культуры, где люди в течение более чем шести веков видели только образы религиозного искусства, воображение публики было просто поражено украшением Летнего сада статуями полуобнаженных нимф. Петр привез из Европы картины Рембрандта и других старых мастеров, заложив основу ценнейшей коллекции Эрмитажа.

Крупнейшие русские художники 18 в. - Федор Рокотов (1735. -1808), Дмитрий Левицкий (1735-1822) и Владимир Боровиковский (1757-1825). Портреты Левицкого и Боровиковского можно рассматривать в русле европейской портретной живописи 18 в., они близки произведениям Т.Гейнсборо и Дж.Рейнолдса.

Эти художники были связаны с Императорской академией художеств, которая была задумана еще Петром I, но основана только в 1757. Организованная по европейским образцам, Академия художеств осуществляла более строгий контроль и оказывала большее влияние на развитие искусства (вплоть до конца 19 в.), чем заведения подобного рода в других странах.

Орест Кипренский (1782-1836) и Карл Брюллов (1799-1852) - крупнейшие мастера русского искусства первой половины 19 в. Брюллов был первым из русских художников, завоевавших славу за границей. Его картина Последний день Помпеи (1834) была показана по всей Европе. Со временем в России появлялись новые художественные учебные заведения; так, в 1833 было основано Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Первая половина 19 в. - время сложения в русской живописи системы жанров. Алексей Венецианов (1780-1847), ученик Боровиковского, является автором идиллических сцен из крестьянской жизни и одним из основоположников бытового жанра в русском искусстве. Василия Тропинина (1776-1857) можно назвать мастером сентиментального портрета, а Павел Федотов (1815-1852) представляет бытовой жанр в его городском, более драматичном варианте. Александр Иванов (1806-1858) создал картину Явление Христа народу (1837-1857), которая является одним из ключевых памятников русского искусства 19 в.

Русский реализм. В живописи второй половины 19 в. преобладало реалистическое направление. Характер русского реализма определили вышедшие в 1863 из Академии художеств молодые живописцы, которые взбунтовались против насаждавшегося в академии классического стиля и историко-мифологической тематики. Эти художники в 1870 организовали Товарищество передвижных выставок, задачей которого было предоставление членам товарищества возможности выставлять свои работы. Благодаря его деятельности произведения искусства стали доступны более широкому кругу людей. Павел Михайлович Третьяков (1832-1898) с 1856 собирал произведения русских художников, преимущественно передвижников, а в 1892 передал свое собрание картин вместе с коллекцией брата С.М.Третьякова в дар Москве.

Передвижники работали в нескольких жанрах (бытовом, портрете, историческом жанре и пейзаже). В пейзажной живописи главной тенденцией было воспевание красоты русской природы. Среди передвижников, работавших в жанре пейзажа, наиболее известны И.И.Шишкин (1832-1898), А.И.Куинджи (1842-1910), В.Д.Поленов (1844-1927), И.И.Левитан (1860-1900).

В жанре портрета передвижники создали галерею образов выдающихся деятелей культуры своего времени: портрет Федора Достоевского (1872) кисти Василия Перова (1833-1882), портрет Николая Некрасова (1877-1878) Ивана Крамского (1837-1887), портрет Модеста Мусоргского (1881), выполненный Ильей Репиным (1844-1930), портрет Льва Толстого (1884) Николая Ге (1831-1894) и ряд других. Находясь в оппозиции к Академии и проводимой ею художественной политике, передвижники обращались к т.н. "низким" темам; в их работах появляются образы крестьян и рабочих.

В жанре исторической живописи работали Василий Суриков (1848-1916), Михаил Нестеров (1862-1942), Василий Верещагин (1842-1904), Илья Репин.

Искусство и революция. К 1890-м годам наметился кризис реалистического направления в искусстве. Рубеж 19-20 вв. был ознаменован в России господством стиля модерн. Это художественное направление, существовавшее под разными названиями почти во всех европейских странах, наиболее ярко проявилось в произведениях архитектуры и декоративно-прикладного искусства.

Михаил Врубель (1856-1910) является одним из представителей стиля модерн в русской живописи. Благодаря деятельности Сергея Дягилева (1872-1929) и Александра Бенуа (1870-1960) по организации художественных выставок и изданию журнала "Мир искусства" (изд. с 1898) русская публика получила возможность знакомиться с новыми течениями в зарубежном искусстве. В 1906 прошла первая выставка русского искусства в Париже, а начиная с 1909 там ежегодно проводились Русские балетные сезоны. Авторами декораций и костюмов для этих спектаклей были Лев Бакст (1866-1924) и Николай Рерих (1874-1947).

Накануне Первой мировой войны в русском искусстве появился целый ряд художественных группировок, выступавших с разными теоретическими программами. Наталья Гончарова (1881-1962) и Михаил Ларионов (1881-1964) стали создателями русского примитивизма, а в 1912 - "лучизма". В 1910 Василий Кандинский (1866-1944) написал свою первую беспредметную композицию; Владимир Татлин (1885-1953) около 1913 приступил к созданию трехмерных абстрактных конструкций и пространственных рельефов; Казимир Малевич (1878-1935) в 1915 сформулировал концепцию супрематизма.

Творческие поиски получили второе дыхание и новую энергию после революции 1917. Некоторые художники эмигрировали, в том числе Гончарова и Ларионов, но большинство деятелей авангарда приняли революцию и сыграли видную роль в "культурной революции". Искусство расценивалось как мощное средство пропаганды и существенный фактор в формировании нового общества. Императорская академия художеств была заменена децентрализованной системой автономных мастерских и теоретических институтов. Кандинский возглавил Институт художественной культуры (ИНХУК); Марк Шагал (1887-1985) и Малевич создали Экспериментальную школу искусств в Витебске, в основу которой легла теория Малевича о супрематизме.

Большую роль в создании русского авангарда сыграли женщины - Варвара Степанова (1899-1958), Любовь Попова (1889-1924) и Ольга Розанова (1886-1918). Искусство вышло на улицы; художники рисовали плакаты и оформляли площади для массовых политических акций и праздников, разрабатывали новый дизайн тканей, керамики, интерьеров; на 1920-е годы пришелся расцвет графики и книжной иллюстрации. Александр Родченко (1891-1956) работал в самых разных областях, он был живописцем, кинооператором, дизайнером мебели.

Чтобы представить, насколько разные стили сосуществовали в живописи 1920-х годов, достаточно вспомнить такие имена, как Павел Филонов (1883-1941), Кузьма Петров-Водкин (1878-1939), Александр Дейнека (1899-1969). Однако некоторые художники, например Исаак Бродский (1884-1939), вернулись к традиционному реализму.

Различные художественные организации и стили существовали лишь до конца 1920-х годов. В сложившихся политических условиях государство постепенно становилось абсолютным монополистом в сфере художественного заказа и финансирования.

Социалистический реализм и его последствия. Постановление ЦК ВКП(б) от 23 апреля 1932 положило конец плюрализму художественных направлений. Все художественные объединения были распущены, вместо них введены союзные и республиканские профессиональные союзы писателей, художников и композиторов. В 1934 социалистический реализм, суть которого определялась как "правдивое и исторически верное изображение действительности в ее революционном развитии", был провозглашен официальным стилем советского искусства. Произведения передвижников 19 в. было настоятельно "рекомендовано" взять за образец для подражания. Многие художники стали жертвами политических репрессий, потому что их творческие концепции не вписывались в узкие рамки государственной идеологии. В музеях значительно уменьшились экспозиции, посвященные западному искусству 20 в. Чтобы осуществлять контроль над обучением, была восстановлена Академия художеств. Цензура обеспечивала нужное направление развития истории искусств и критики. Примером официально ангажированного искусства может служить картина Александра Герасимова (1881-1963) Сталин и Ворошилов в Кремле.

Во время хрущевской "оттепели" наряду с теми, кто продолжал прославлять успехи советской промышленности, небывалые урожаи и передовиков производства, появилась целая плеяда мастеров, которые стали обращаться к личным, общечеловеческим темам. Некоторые произведения авангарда 1920-х годов, находившиеся под запретом, стали появляться в залах музеев. Цензура была ослаблена, отдельные художники и направления в искусстве прошлого были реабилитированы. СССР стал более открытым для остального мира обществом. В 1957, во время Международного фестиваля молодежи и студентов, и в 1959, на первой американской выставке в Москве, было показано новое, неизвестное ранее искусство. Как результат большей творческой свободы наступил расцвет неофициального искусства, существовавшего параллельно с государственным заказом.

Годы пребывания у власти Л.И.Брежнева (1964-1982) были связаны с экономическим застоем и продолжением политики государственного контроля над искусством. Выставка, устроенная под открытым небом художниками-нонконформистами в Москве осенью 1974, была сметена бульдозерами; после этого некоторые крупнейшие мастера современного искусства, в т.ч. скульптор Эрнст Неизвестный (р. 1926), решили эмигрировать.

Истинный плюрализм в искусстве наступил только с приходом к власти М.С.Горбачева (1985-1991). Его попытка оживить социализм при помощи гласности и перестройки принесла свободу художественного творчества и пробила железный занавес. Вместе с проведением реформ, направленных на создание свободного рынка, закончилась эпоха государственного контроля в сфере искусства. Начиная с персональных выставок Малевича и Филонова, проходивших в 1988, музеи стали постепенно доставать из своих запасников произведения, находившиеся под запретом с начала 1930-х годов. Не контролируемые более цензурой, начали появляться статьи и художественные издания, посвященные культурной жизни России 20 в. и первых лет революции. Проведение в июле 1988 в Москве международного аукциона произведений русского искусства 20 в. под эгидой Министерства культуры СССР положило конец эпохе государственной монополии в области культуры.

После распада СССР в 1991 и крушения коммунизма перед российскими художниками открылись новые возможности. Государственный контроль над преподаванием искусства в школах, над профессиональным образованием и идеологическим содержанием уступил место полной свободе объединений и творческого самовыражения. Появились художественные группировки и частные галереи, многие из которых пользуются спонсорской поддержкой банков и коммерческих предприятий. Что касается стиля, то в современном искусстве можно найти все: от неопримитивизма и стилизаций под народные промыслы до сюрреализма и абстракционизма. Кардинальное изменение системы ценностей привело к глубокому кризису в умах людей. Многих сейчас занимает вопрос, не исказит ли новый дух коммерции то высокое призвание, на которое в культурной и политической жизни России всегда претендовало искусство.